Halina Reijn à propos de Babygirl : « En tant que créatrice, vous devez laisser votre ego, votre vanité et vos peurs à la porte.»

La bande-annonce de Babygirl, le thriller érotique envoûtant de Halina Reijn produit par A24, ne laisse pas de place au doute : This Christmas, get exactly what you want. Dans ce film, qui a été présenté en avant-première cet été au festival de Venise, la PDG Romy (Nicole Kidman) semble avoir tout : une entreprise prospère, beaucoup d’argent, une maison magnifique, une beauté intemporelle et une famille charmante. La vie parfaite de la femme parfaite. Mais Romy est loin d’être satisfaite. Ce qui lui manque, c’est un élément essentiel pour elle : une vie sexuelle épanouie. Son mari Jacob (Antonio Banderas) ne se doute de rien. Pour lui, un câlin avant de dormir, un bisou, et au lit. Que pourrait-elle vouloir de plus ? Eh bien, chéri, que dirais-tu d’un orgasme ?

Lorsqu’elle rencontre Samuel (Harris Dickinson), son nouveau stagiaire, une alchimie immédiate naît entre eux. Leur relation ouvre un espace pour explorer les désirs inassouvis de Romy. Mais qu’est-ce que Romy veut vraiment ? Que peut-elle espérer de Samuel ? À quoi ose-t-elle aspirer ? Ce qui suit est une exploration nuancée des rapports de pouvoir, de la communication et des conséquences du consentement mutuel. Babygirl est un manifeste audacieux et drôle contre l’inégalité orgasmique, consolidant la place de Halina Reijn parmi les réalisatrices de premier plan à Hollywood. Nous avons discuté avec Halina de sa vision artistique, de l’importance de suivre son intuition et des différences entre les processus de création aux Pays-Bas et aux États-Unis.

Quel était pour vous le cœur de ce film ?

« L’essentiel était de raconter l’histoire d’une femme qui apprend à s’accepter et à s’aimer, tout en étant piégée dans une matrice où elle pense devoir être parfaite et plaire à tout le monde sauf à elle-même. Je voulais aussi faire un film divertissant et drôle, qui vous tient en haleine. Un film sexy et stimulant, mais qui aborde finalement un thème important : le féminisme. La question de la perspective féminine et de ce que cela signifie vraiment. Qui sommes-nous en tant que femmes ? Nous n’en savons encore rien. Nous venons tout juste d’obtenir le droit de vote, nous sommes encore dans une phase embryonnaire en matière de féminisme. »

Comment conciliez-vous l’humour et un message sérieux ?

« En tant qu’actrice, j’ai découvert sur scène que j’aimais alterner rapidement entre des tons différents, presque comme si l’acteur sortait de son rôle avant de replonger dans l’histoire. Dans la vie réelle, nous jouons sans cesse des rôles pour les autres. Si ma mère entre dans la pièce, je deviens une autre personne que lorsque je parle avec vous. Si mon voisin me demande quelque chose, je m’exprime autrement que face à mon patron. Je trouve amusant que nous ayons toutes ces facettes dans notre identité, et je voulais embrasser cela dans ce film. »

« Je pense que beaucoup de femmes se reconnaissent dans cette complexité. Elles pensent qu’elles doivent être la mère parfaite, l’épouse parfaite. Avoir un corps parfait, un vagin parfait, tout en étant aussi une PDG parfaite. Cela devient très performatif. Et lorsque Romy a des relations sexuelles avec Samuel dans le film, c’est presque comme une étrange séance de thérapie, où ils essaient des choses ensemble. Je voulais montrer cela très littéralement. Pour moi, le sexe ressemble toujours à cela : vous essayez quelque chose, c’est gênant, puis vous essayez autre chose et ça fonctionne soudainement. Le sexe, ce n’est pas un film hollywoodien. Ce n’est pas une belle toile avec une musique sublime. C’est brut, ça trébuche, mais vous finissez par vous trouver. Je pense que rendre tout cela humain permet au public de s’identifier et de rire. On voit une personne réelle, ce qui rend parfois l’expérience inconfortable à regarder. »

Vous n’avez pas seulement réalisé Babygirl, vous l’avez aussi écrit et produit. Qu’est-ce que cette combinaison vous a apporté ?

« L’écriture m’a permis de trouver ma propre voix et de gagner confiance en moi, de me dire que j’en étais capable. Cela a aussi facilité la réalisation, car je connaissais chaque phrase, chaque point et chaque virgule par cœur. J’ai tout jeté à la poubelle trois fois pour tout en ressortir ensuite. Mon travail avait déjà subi tellement de tests que j’arrivais sur le plateau beaucoup plus confiante. Je pense que cela m’a permis de m’approprier complètement ma voix de cinéaste dans tous les aspects du film – réalisation, production, musique, son – et de faire en sorte que tout cela reflète vraiment ma personnalité. Cela m’a permis de prendre des décisions plus intuitives. Je n’ai pas suivi de formation en cinéma, donc au début je me sentais humble et j’avais peur de faire des erreurs. Maintenant, je me dis : je ne suis pas monteuse, mais je vais le faire à ma façon et je vais expliquer au monteur ce que je veux.

Je suis très favorable à l’idée de suivre une formation. J’étais à l’Académie de théâtre de Maastricht, qui était à l’époque une école stricte et classique, mais je n’y suis restée qu’un an. Quand j’ai commencé à réaliser, j’ai littéralement cherché sur Google : « les dix meilleurs livres sur la réalisation ». Je les ai tous lus. En tant qu’actrice, j’ai appris en observant pendant des années sur les plateaux et sur scène. C’était ma véritable formation. En plus, sur un plateau, vous êtes toujours entourée de personnes compétentes. Vous avez une vision, mais vous pouvez toujours demander : "Qu’en pensez-vous ?" Et cela ne signifie pas que vous perdez votre autonomie. Un petit exemple : la chambre d’hôtel bon marché où Romy et Samuel ont leur longue scène de sexe, je l’imaginais comme une sorte d’utérus. J’ai dit à l’équipe artistique : cette chambre doit avoir une ambiance de type utérus. Vous pouvez arriver avec toutes sortes d’images en tant que réalisatrice, mais j’ai aussi dit : je veux votre contribution. Comment pensez-vous que nous pourrions donner vie à cette idée ? C’est bien d’avoir une idée claire en tant que réalisatrice, mais il faut aussi écouter les gens autour de vous. Et dans ce cas, la meilleure idée l’emporte. Cela nous a permis de développer une collaboration fantastique. »

Comment trouvez-vous un équilibre entre votre propre vision et les nouveaux éclairages issus de cette collaboration ?

« Cela peut paraître un peu banal, mais je pense que vous devez vraiment faire confiance à votre intuition. Même si vous n’avez pas toujours toutes les connaissances, il ne faut pas oublier que personne ne les a toutes. C’est une révélation de se rendre compte que tout le monde improvise. Aux Pays-Bas, j’ai dû me battre pour avoir le droit de raconter certaines histoires. La série Red Light, par exemple, parle de trois femmes, dont une regrette d’avoir eu des enfants. À l’époque, tout le monde disait : "Ce n’est pas possible. Personne ne voudra voir ça. C’est horrible. Ça n’existe pas." Mais j’avais lu un livre sur ce sujet et j’étais convaincue que c’était une histoire qui avait de la valeur.

« Aux Pays-Bas, je serais déjà contente d’un bon accueil. Ici, je m’inquiète aussi des ventes de billets. »

Dans ce cas, il faut tenir bon et être prêt à faire des sacrifices pour rester fidèle à votre point de vue. J’appelle ça « l’ego-death » (la mort de l’ego). Quand vous jouez, réalisez ou entreprenez quelque chose qui a de l’importance, vous devez laisser votre ego, votre vanité et vos peurs à la porte. Vous devez vous concentrer uniquement sur cette question : quelle est mon intention ? Si cette intention est pure, alors vous pouvez créer ce que vous voulez, même si vous êtes constamment distrait ou tenté par des choses liées à l’ego. Cela peut parfois marcher et d’autres fois tomber à plat. Mon intention avec Babygirl portait sur l’acceptation de soi. Pour moi, c’est la clé de l’autonomie et de la paix intérieure. »

Votre précédent film, Bodies Bodies Bodies, a été votre baptême du feu aux États-Unis, mais vous ne l’aviez pas écrit vous-même. Comment était-ce de faire Babygirl en ayant un contrôle créatif aussi large aux États-Unis ? Est-ce différent des Pays-Bas ?

« Aux États-Unis, il est évident que chaque dollar doit être rentabilisé. C’est différent de travailler avec des subventions sur un petit projet aux Pays-Bas, où cela compte moins. Le nombre d’entrées est un facteur important. Par exemple, je ressens une certaine pression maintenant, même si le film a été très bien accueilli. Aux Pays-Bas, un bon accueil me suffirait. Mais ici, je m’inquiète aussi de savoir si les billets se vendent, car cela influence mes chances futures. Ce qui est paradoxal pour moi, c’est qu’aux Pays-Bas, j’ai dû me battre plus durement pour défendre mes idées qu’aux États-Unis. Chez A24, ils s’intéressent vraiment à cette noirceur que j’ai en moi, ou à mes idées féministes, par exemple sur l’orgasme féminin. Ils ne comprennent pas toujours immédiatement, mais ils sentent que, comme ils disent, that it’s part of the culture right now. It’s relevant. Ils ont une ouverture d’esprit énorme à cet égard. A24 est bien sûr un endroit unique. Je ne pense pas que le reste d’Hollywood fonctionne forcément de cette façon. Hollywood reste effrayant. Vous valez ce que vaut votre dernier film, et je peux à tout moment être renvoyée aux Pays-Bas avec du goudron et des plumes. Mais d’un autre côté, je pense que nulle part ailleurs je ne pourrais exprimer ma singularité comme ici. Ils écoutent mes idées et disent simplement : "Rends-les encore plus folles." »